五常正剧因何引人发笑,多媒体时代

时间:2019-09-30 22:41来源:戏剧艺术
新时代的观众构成了新的观演关系。能否让观众“在场”,就要看创作者的水平了。彼得·布鲁克说,戏剧应当是活在当下的,应当随着时间、地点和观众不断变化,一旦观众变了,就

  新时代的观众构成了新的观演关系。能否让观众“在场”,就要看创作者的水平了。彼得·布鲁克说,戏剧应当是活在当下的,应当随着时间、地点和观众不断变化,一旦观众变了,就需要根据新的观演关系对戏剧做出调整,只有这样才能构成“活的戏剧”。当观众对剧情已经烂熟于心,导演和演员就都不能指望着用剧情来吸引观众了。观众走到剧场看经典作品,看的不是上世纪30年代曹禺讲的故事,而是为了看当下人艺排的这出《雷雨》。而经典之所以能成为经典,是因为他们所表现的感情不局限于时代,能够被人们反复解读,而每代人都能够用自己的视角阐释出新的东西。好的戏剧,经典的戏剧,一定是让观众“心灵在场”,即使演的是别人的故事,也能让观众代入,让观众在戏中看到自己。

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  观众面对舞台上的《雷雨》笑声阵阵,演员杨立新连发微博表示不满。

以下是《北京青年报》评论《雷雨》遭笑场全文内容。

  《雷雨》这部戏描述了大家庭两代人之间的恩怨情仇,乱伦和巧合让结局走向悲剧;而这悲剧又遵循着“三一律”,人物、台词无不环环相扣,用娴熟的戏剧技巧编织在一起。中国戏剧出现这样一部作品,在当时可谓难得——《雷雨》凭借着故事的工整、文学的精妙成为了中国戏剧经典的开山之作,也标志着中国现代戏剧的成熟。但是这样一部凭借戏剧完成度之高成为经典的“成熟之作”,到现在,是否还代表着戏剧乃至“剧情”的“最高水平”呢?《雷雨》之中的戏剧手法,已经被大多数编剧借鉴、发展和应用到新的戏剧乃至影视作品的创作中,并被观众广为接受。而上世纪50年代夏淳排《雷雨》,是严格按照现实主义的导演风格,没有对曹禺的剧本进行一分一毫的修改与再创作(排除个别复排版本删去开幕和尾声的情形);演员排演过程中进行的人物小传等创作,也是紧紧围绕曹禺的剧本剧情。因此,这一版《雷雨》的戏是一部独以剧情取胜的作品。

杨立新连发五条微博表达不满

  “原以为会打动今天的学子们,却换来笑声阵阵”,原因何在?杨立新说《雷雨》文学上的精致、人物关系的复杂是“中国戏剧经典的开山之作”,演出得以经久不衰……这只能说明曹禺写的《雷雨》剧本好。而那一晚观众在首都剧场里,并非在阅读曹禺的剧本,而是在看那出戏。观众不是在嘲笑曹禺先生的剧本,而是在笑那出戏。所以观众发笑,可能观众有问题,还可能是戏出了问题。

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  可是,这样的剧情,以及叙事的编剧技法,在今天“多屏联播”的媒体环境中,却并不罕见了。在视频网站上欣赏各国影视剧的年轻观众,早已习惯情节更紧密复杂的美剧,对感官刺激的渴求变得更高,光有“乱伦”这样已被用烂了的“狗血”剧情,即使文学层面再精妙,观众也很难对剧情“叹为观止”了。

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  北京人艺自从1954年夏淳排了第一版《雷雨》,到1979年开始不断复排,就从来没有变过;虽然演员们换了一批又一批,却一直遵循着现实主义的传统,不断地还原初版(除了“文革”期间有一个以鲁大海为中心的版本,但很少有提及)。60年来,人艺的《雷雨》从未改变过。造成的结果是,观众的年龄逐渐老龄化,年轻的新观众越来越少,现在,学生场已经哗然。我们认可《雷雨》的经典地位,认可艺术家们的付出,但并不意味着让它就此成为戏剧博物馆里“僵死”的“展品”;北京人艺之所以有今天的地位,是因为它在历史上曾经创造出了有地位有影响的戏剧,而今天,考验它的,是人艺能否让自己创造出的经典戏剧的生命一直延续——这是对自身历史的担当。

澳门新葡亰赌全部网址 ,虽然当时年少的曹禺在写作《雷雨》时并非有意要匡正讽刺或攻击什么,但束缚、压制和摧残却是伴随人物命运不言自明的。其中家庭与社会的伦理如若节奏、形体与台词拿捏不当,角色不仅滑稽,还会给人烦人之感,加之在如此光怪陆离、多元多义的今天,始乱终弃和乱伦或许只是社会新闻的一则小品,不至付出生命的代价。因而学生们的笑远未触及道德底线的地步,更谈不上对曹禺先生的不敬。更何况悲剧不一定就不笑,卓别林的《摩登时代》便是一例。不过观众的笑有时确实会让演员模糊了心绪、乱了方寸,这也就难怪演了几十年戏的杨立新一边演一边还在担心“结尾处大少爷自杀的枪声响起,台下千万不要掌声雷动……”而这也正是一个每场都全情投入而非走过场的大演员的真实心境。

  也不是没有发生过这样的事。1989年人艺复排版《雷雨》,高东平演周冲,一句“爸爸,这是不公平的!”引发观众一片哗然,也是之前没有过的。观众有说演员演得不好:周冲本是单纯的,演员却把他演得傻愣傻愣,于是观众笑了;但也知道不能全怪演员,因为周冲这个人的个性本来就比较难拿捏,年龄又小——在戏剧舞台上很难找到17岁年龄相仿的演员,只能用大人演小孩,所以化妆再像,演出来也难免有“装傻”之相。这样看,观众的反应是诚实的——观众笑,不代表对演员、对戏的不尊重。

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  杨立新在微博中说观众是“随着剧情和人物关系的暴露”发笑的。为什么这些情节不让以前的观众发笑?为什么现在的人、特别是当晚的公益场学生就笑得那么猛?这要回到《雷雨》的情节和《雷雨》本身。

杨立新这5条微博在网上引发了一番热烈的讨论。编剧王丽萍为代表的一批网友对杨立新的感受表示支持,网友昊然爱六组说,“人艺一心为戏,不知你们为什么笑。但是,应给予人艺,人艺的演员,人艺的戏一个起码的尊重!!!”观众徐定茂也说,“看《雷雨》居然会‘哄堂大笑’,而且‘贯穿全剧’?真是不可思议。”

  杨立新把原因指向“公益场”,笑声到底跟公益场有没有关系?我想还是有的,关联之处在于:公益场把观众应有的笑声放大了——以前的观众可能还因为你是大演员对你的表演不敢发表异见,但现在的年轻学生,不再畏惧“权威”,从小生活在多媒体时代,有无限的获取信息的手段和能力,能够捕捉各方面的观点,形成自己的判断,面对无法将观众带入的“输入式”戏剧,不会被动接受,而是会走神、会吐槽、会发笑。常规场有很多怀旧的成人,或者想笑又顾忌面子的青年,到了学生这里可不管你这一套了。

曹禺之女万方曾经用“观众最有力的反应应该是寂静”来形容伟大剧作的力量,但是本周二晚,人艺版《雷雨》的学生公益场却被剧中周朴园的饰演者杨立新形容为“爆笑场”。杨立新感叹:“如此‘公益场’不演也罢!”不过这样一出发表于80年前的经典之作,人性固然有穿云射日之力,但语言和表述与当代语境及青年心智是否契合,演员的表演幅度和节奏能否让习惯了《小时代》的年轻观众有脚踏实地、触手可及之感,都决定了已是耄耋之年的《雷雨》能否与新观众成为忘年交,或许不能只是嗔怪年轻观众难以承受话剧和人性之重。

  多媒体时代,是对这一担当的更大考验。因为不仅是戏剧,文化领域中的每一个层面,都被它冲击着。戏剧创作者、剧院管理者乃至演出市场的运营者,能否守住“剧场”这一原始的戏剧空间,要看能否在这空间中打造最好、最有当下意义的观众体验——这里说的“体验”,并非迎合观众的“品位”。有深度有内涵的演出,哪怕曲高和寡,哪怕引发争议,只要是“好的体验”,都不会被观众“嘲笑”。

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也有网友认为对遭笑场一事不必过于介怀。看了22日晚公益场的jldirac说,“整场当中的确有笑的地方,但是如果说是‘整场’的大笑我不承认。我认为笑的原因主要集中在过去的剧本或者说台词,放在今天有些额外的意思。有的句式和词的用法,通过舞台的夸张,显得很不自然。但是不能认为学生们不严肃,不知好歹”。网友忆风之雷霆也说,“作为中国话剧艺术水平最高的人艺,不恰恰应该挑战这种难度么?”

当然不是所有的经典戏剧都适合学生,《雷雨》入选教科书的理由毋庸赘言,但从曹禺时代人们只是认同隐而不发,到今天似乎只有情欲的释放、人性的燃烧,才觉酣畅,《雷雨》惊现爆笑场似乎也就不那么令人大惊小怪了。如果说观众对于周冲的笑只是源于其人物性格中的爱幻想和本性纯良,还有诸如对鲁大海:“我还是愿意和你做朋友的,你愿意同我拉一拉手吗?”以及看到四凤要和周萍私奔时说的“我也许并不爱她”转而送出祝福等台词,因为他本就是曹禺笔下“烦躁多事的夏天里的一个春梦”。那么面临多重尴尬的周萍稍有不慎就会沦为笑柄则成为了一个版本的《雷雨》成败的关键。其实近些年“看《雷雨》为什么会发笑”已非“伪命题”,当年濮存昕、郑天纬版的《雷雨》也未能幸免让观众发笑的宿命——周萍见到父亲时的“鸡飞狗跳”,面对繁漪逼迫的手足无措,酒后冒雨到四凤家后窗伴随一声霹雷的惊悚,以及自杀一场都常常引人发笑,他的软弱和缺少担当无疑成了今人眼中的“装”。

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